“Grand Hotel”

Festival Theatre, Niagara-on-the-Lake • 2018-09-08 • 14:00


A solid production, intent on highlighting the characters’ journeys, but low on energy at times. Interesting set that does away with the revolving door, nice costumes, but it’s the the lights that create most of the theatrical magic.

Very good principal cast: Michael Therriault was about as moving as Michael Jeter as Otto and James Daly’s Baron was believable when he fell head over heels in love. Vanessa Sears gave Flaemmchen some depth, while Deborah Hay was heart-rending when delivering Elizaveta’s wisdom in an almost child-like voice.

The rest of the company was equally good. For some reason, one of the Jimmys was played by a woman.

“We’ll Take a Glass Together” managed to create a thrill comparable to that of the original staging though it took a partially different approach.


“Bring It On”

Southwark Playhouse, London • 2018-09-01 • 15:00


This pleasant production redeemed the show a little bit for me even though, like “Mean Girls,” it belongs to a subgenre I don’t “get.” Some good performances, especially from Isabella Pappas, who seemed to be channeling Stockard Channing at times.

“On the Town” (Prom 57)

Royal Albert Hall, London • 2018-08-25 • 19:30


Pure, unadulterated bliss, about as wildly enjoyable as the legendary 1992 concert, which also featured the London Symphony Orchestra in Olympic form.

Same concert version with narration… although the narrator’s name is nowhere to be found in the programme. [I finally found it when I watched the TV broadcast, his name is Kerry Shale.]

Very good cast, but the acoustics of the hall is not great for voices, even with amplification. However, I was in the “golden area” in the side stalls where the sound of the orchestra comes across beautifully. I swooned repeatedly upon hearing what I consider to be Bernstein’s most blissful score (on a par, maybe, with Wonderful Town).

Chorus and secondary roles were provided by a bunch of talented ArtsEd students. Their joy at being a part of such an event was obvious (especially the guy in the short-sleeved red shirt in the last row)… and contributed to making the concert even more special.


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“Little Shop of Horrors”

Regent’s Park Open Air Theatre, London • 2018-08-24 • 14:15


A fun staging, although the overall aesthetics with all those fluorescent colours probably pays off a lot better when the show is performed at night. Matinee audiences are a bit shortchanged. Sadly, the allergy warning in the lobby about the finale using latex balloons in the auditorium gives away one of the fun surprises.

Good performances, especially from Marc Antolin as Seymour and from Jemima Rooper as Audrey — she went the Ellen Greene way by underplaying the humour a little bit… which always works wonders. The choice of having a Drag Queen, Vicky Vox, play Audrey II seems pretty natural, in a way, given the tone of the character’s songs.

Not overly impressed by the choreography. As usual, the amplification at the Open Air Theatre is a bit hit-or-miss, but it was a pleasure to hear the bongos so clearly in the title song.

“Comédiens !”

Théâtre de la Huchette, Paris • 2018-08-23 • 21:00


An unexpected delight, solidly written and exquisitely performed, although neither dialogue nor lyrics sounded very 1948 to my ears. Discovering the play was a free reinterpretation of Pagliacci halfway through was an added bonus — I was reminded of the day I recognised the plot of Murder on the Orient-Express in a randomly chosen Taiwanese opera set in a mountain inn in Taipei.

Too bad the song that contains my favourite lyric (“Tu m’enivrais, Gaston, mais là / Tu me soûles.”) is marred by some prosodic monstrosities (“Tu te souviens / J’aimais bien ça”). Hearing the very nice song written for Desdemona sort of made me long for a revival of Catch My Soul, the rock opera based on Othello which played the Théâtre Marigny in 1972 as Othello Story.


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“Hello, Dolly!” (with Donna Murphy)

Shubert Theatre, New York • 2018-08-12 • 15:00


Fifth time seeing this production... the second time with Ms. Murphy in the title role. Some variety is provided by the fact that understudy Amanda Lamotte is in playing the part of Ermengarde, possibly the most boring character in the play.

As with Ms. Midler the previous day, there is a tendency to play everything more broadly… but the show holds together better. Not only that, but it reaches several peaks, both emotional and comedic.

Not only does Ms. Murphy respect the songs by never straying too far from the score, she also brings depth and meaning to her character, in particular whenever she addresses her late husband Ephraim. In doing so, she makes Dolly human, frail and loveable.

When she allows herself a little bit of ad-libbing, she never gets out of character and never breaks the fourth wall, an example Ms. Midler would be well advised to follow.

Her commitment to her character seems to lift everybody else. The ensemble, in particular, outdo themselves in the big numbers, which are hugely entertaining.

There are, however, still signs of sloppiness. David Hyde Pierce’s mic situation is even worse than the previous day. He has to carry the beginning of his first scene almost without amplification. Does anybody even care?

“Hello, Dolly!” (with Bette Midler)

Shubert Theatre, New York • 2018-08-11 • 20:00


Fourth time seeing this production... the second time with Ms. Midler… and the first time with audience darlings Gavin Creel and Charlie Stemp both on stage at the same time.

Shows sometimes go adrift a few months into their run if the stage manager and musical director don’t manage to keep things under control. In this case, the show has become a strange sort of farce. 

Ms. Midler, who showed a lot more restraint at the beginning of the run, has broadened her gestures, rushes through her lines like a record played at the wrong speed and speaks with a weird accent that makes her sound somewhat demented. She has also started “interpreting” her songs, changing both rhythm and melody when she pleases.

Sadly enough, Ms. Midler has contaminated most of her fellow players (although David Hyde Pierce always played with a heavy Brooklyn-type accent). With so much indiscipline on stage, some scenes play like they’re out of The Benny Hill Show.

The audience’s enthusiasm seems to increase with the amount of tastelessness on stage. Which only encourages the actors to follow their weird instincts. In the middle of a dance break in “Hello, Dolly!,” Ms. Midler looked at the audience and said “This goes on for a while, so I hope you like red.” A few moments earlier, she had literally “danced like an Egyptian,” much to the audience’s delight.

In my book, that is pretty unacceptable. I couldn’t help thinking of Danny Kaye’s widely reported stage antics when he was in Two By Two. I suppose stars find it impossible not to cater to their audiences’ lowest instincts — “Give Them What They Want,” as they sing in Dirty Rotten Scoundrels.

There are other signs that the end of the run is near, like the fact that David Hyde Pierce’s voice sounds muffled every time he wears a hat. But why bother when every remaining performance is sold out?


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“Gettin’ the Band Back Together”

Belasco Theatre, New York • 2018-08-11 • 14:00

Wikipedia • IBDB

Formatted to death; ticking up boxes to appeal to GenX audiences:

  • corny sitcom New Jersey humour, although some jokes do land,
  • entrances & exits through the auditorium,
  • generic rock score, loud amplification and the now obligatory rap song,
  • audience participation & occasional breaking of the fourth wall,
  • cartoonish aesthetics.

Many instances of deja vu:

  • the audition scene (The Producers, The Full Monty),
  • the moment of doubt before the final scene (The Full Monty again),
  • the Les Misérables reference (Crazy For You & too many others to name),
  • the updated “Dance at the Gym“ (Something Rotten!).

Very good performances, even though Marilu Henner seemed to be a little bit unsure of her lines.

Embarrassing curtain intro by Ken Davenport, which started the show on a Club Med kind of note.

Claims to be a rare instance of an original musical but ends up feeling like an ultra derivative product that never takes the risk of trying something different. Give me a good revival of a classic any day.

Best moment of the performance was hearing “Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band” on the theatre’s sound system during intermission.


East 13th Street Theater, New York • 25.9.16 à 14h
Musique : Jerry Bock. Lyrics : Sheldon Harnick. Livret : Jerome Weidman & George Abbott.

Mise en scène : Bob Moss. Direction musicale : Evan Zavada. Avec Austin Scott Lombardi (Fiorello), Rylan Morsbach (Ben Marino), Dan Cassin (Floyd), Matt McLean (Morris), Rebecca Brudner (Thea), Chelsea Cree Groen (Dora), Katie Birenboim (Marie), …

Bien que la pièce ait connu un gros succès à sa création en 1959 (au point de remporter le Pulitzer Prize… et d’écraser Gypsy aux Tony Awards), Fiorello! n’est quasiment jamais monté de nos jours… à part dans le cadre d’entreprises sans but lucratif comme la série des Encores.

Il faut dire que l’histoire du maire de New York Fiorello La Guardia, qui constitue la matière du livret, ne présente que peu de relief dramatique. Le récit linéaire ne prend jamais vraiment aux tripes, et seule la belle partition de Bock et Harnick fournit quelques moments de réel plaisir.

On est malgré tout reconnaissant à la troupe du Berkshire Theatre Group de nous permettre d’assister à une représentation d’une œuvre devenue quelque peu légendaire… dans une mise en scène joliment adaptée à la petite taille du théâtre.

Près de soixante ans plus tard, il est à peu près évident que le verdict des Tony Awards était déficient : Gypsy a cinquante fois plus le profil d’un chef d’œuvre durable que Fiorello!.

“The Encounter”

Golden Theatre, New York • 24.9.16 à 20h
Simon McBurney

Je suis d’habitude assez fan du type d’entreprise théâtrale que propose Simon McBurney avec sa troupe “Complicite” : A Disappearing Number, The Master and Margarita, ou l’opéra contemporain A Dog’s Heart.

Avec The Encounter, McBurney propose une expérience encore plus radicale puisqu’elle repose presque exclusivement sur le son… un son expertement travaillé, spatialisé et communiqué aux spectateurs par le biais d’écouteurs disposés sur les sièges.

Même si McBurney est sur scène pendant toute la pièce afin de produire cette expérience sonore — autour de l’histoire sans grand intérêt d’un explorateur qui se perd dans la jungle amazonienne —, il n’y a en réalité rien à regarder et tout est à écouter.

L’expérience est certes inhabituelle, la matière sonore, pleine d’effets spéciaux, est certes particulièrement bien façonnée (le son passe de droite à gauche, de gauche à droite, … ou semble provenir par moments de l’arrière), … mais la nouveauté s’émousse au bout de dix minutes.

Pour ma part, je me suis ensuite profondément ennuyé. J’avais l’impression d’écouter une pièce radiophonique, certes soignée, mais assez éloignée de ce que je viens chercher au théâtre.

Je n’étais pas le seul visiblement soulagé que la pièce prenne fin.

“Small Mouth Sounds”

The Romulus Linney Courtyard Theatre at the Pershing Square Signature Center, New York • 24.9.16 à 17h
Bess Wohl

Mise en scène : Rachel Chavkin. Avec Max Baker (Jan), Babak Tafti (Rodney), Gibson Frazier (Ned), Marcia DeBonis (Joan), Carmen Zilles (Judy), Jojo Gonzalez (Teacher), Zoë Winters (Alicia).

Cette délicieuse comédie se déroule pendant l’une de ces retraites silencieuses proposées aux citadins stressés soucieux de se déconnecter du monde pendant quelques jours afin de retrouver le contact avec la part la plus intime de leur être.

La pièce fonctionne comme un huis clos pour les six personnages amenés à cohabiter en silence pendant plusieurs jours dans un camp où le logement se fait sous des tentes. Cette prémisse pourrait sembler bien peu théâtrale ; elle est pourtant excellemment mise à profit par Bess Wohl et Rachel Chavkin pour travailler sur une délicieuse galerie de portraits.

Mention spéciale pour les comédiens, absolument irrésistibles… et, pour certains, infiniment touchants. La preuve s’il en fallait que le théâtre se nourrit de bien plus que de mots.

“Holiday Inn”

Studio 54, New York • 24.9.16 à 14h
Musique et lyrics : Irving Berlin. Livret : Gordon Greenberg et Chard Hodge.

Mise en scène : Gordon Greenberg. Avec Bryce Pinkham (Jim Hardy), Corbin Bleu (Ted Hannover), Lora Lee Gayer (Linda Mason), Megan Lawrence (Louise), Megan Sikora (Lila Dixon), …

Holiday Inn est un film de 1942 construit autour de chansons originales du génial Irving Berlin. C’est pour ce film que Berlin a composé l’immortelle “White Christmas”, qui n’était curieusement pas identifiée à l’origine comme le joyau de la partition.

Broadway avait déjà accueilli il y a huit ans une adaptation scénique de l’autre film musical “de Noël” construit autour de chansons d’Irving Berlin, White Christmas. Cette nouvelle adaptation était-elle nécessaire à l’époque de Hamilton ?

On en doute un peu.

Il y a, certes, les magnifiques chansons d’Irving Berlin, particulièrement bien orchestrées, avec notamment un “big band” de huit cuivres, souvent mis en avant et somptueusement sonorisé.

Mais cela n’empêche pas une impression de ringardise de s’installer progressivement, malgré l’opulence de certains numéros musicaux.

D’autant que, si Corbin Bleu peut prétendre rivaliser avec le charme de Fred Astaire, Bryce Pinkham n’a, lui, pas le charisme de Bing Crosby.

Le verdict est donc très partagé, plus sur l’opportunité de l’entreprise que sur la qualité de son exécution.

Concert Orchestre de Paris / Harding à la Philharmonie

Philharmonie de Paris • 21.9.16 à 20h30
Orchestre de Paris, Daniel Harding

Mahler : symphonie n° 10 (version “Cooke III”)

On sait l’attachement de Daniel Harding à cette symphonie, qu’il a déjà enregistrée avec l’Orchestre philharmonique de Vienne… et que je |’ai vu diriger à la Philharmonie de Berlin il y a trois ans.

Je n’étais pas préparé à autant apprécier cette magnifique interprétation, tantôt élégiaque, tantôt grinçante et pleine de contrastes. Harding prend son temps, étire les phrases musicales… et l’orchestre, globalement, suit avec ce qui ressemble à s’y méprendre à une forme d’enthousiasme. Solos magnifiques au hautbois, au tuba, à la flûte, à la trompette… et au tambour, ce dernier malencontreusement gâché par des quintes de toux simulatnées de plusieurs spectateurs pensant à tort que le coup de tambour marquait la fin d’un mouvement.

Je me suis plus régalé qu’à Berlin. Si seulement le public était un peu moins bruyant. J’ai compté au moins quatre allers-retours aux toilettes pendant la symphonie. L’acoustique sans pitié de la salle ne fait malheureusement pas de cadeau.


Cité des Congrès, Nantes • 18.9.16 à 14h30
Wagner (1850)

Orchestre national des Pays de la Loire, Pascal Rophé. Avec Daniel Kirch (Lohengrin), Juliane Banse (Elsa de Brabant), Jean Teitgen (Heinrich L’Oiseleur), Catherine Hunold (Ortrud), Robert Hayward (Friedrich de Telramund), Philippe-Nicolas Martin (Le Héraut).

LohengrinTrès bonne représentation en concert de Lohengrin, dominée par le Telramund stellaire de Robert Hayward. Il a la chance de donner la réplique à l’Ortrud exaltée de Catherine Hunold, dont l’investissement dramatique est un régal. Son regard chargé d’émotions intenses rappelle un peu Petra Lang. Superbes prestations également du Heinrich de Jean Teitgen et du Héraut de Philippe-Nicolas Martin.

Malheureusement, Juliane Banse n’est pas du tout dans son élément en Elsa… et elle est presque douloureuse à regarder et à écouter. Comme son Lohengrin, Daniel Kirch, elle chante beaucoup avec les bras, comme pour visualiser une ligne de chant qui, malheureusement, reste largement imaginaire. Kirch n’est que marginalement plus à l’aise, et sa voix terne ne convient pas du tout au caractère solaire de son personnage.

Excellente prestation de l’Orchestre national des Pays de la Loire, sous la conduite inspirée de Pascal Rophé. Comme à Amsterdam, cette configuration en concert, avec les chanteurs devant l’orchestre, est décidément très propice à l’épanouissement de la beauté de la partition.


Opéra-Bastille, Paris • 17.9.16 à 19h30
Puccini (1900). Livret : Giuseppe Giacosa & Luigi Illica, d’après la pièce de Victorien Sardou.

Direction musicale : Dan Ettinger. Mise en scène : Pierre Audi. Avec Anja Harteros (Floria Tosca), Marcelo Álvarez (Mario Cavaradossi), Bryn Terfel (Scarpia), …

ToscaUne distribution luxueuse, menée par l’une des meilleures Tosca du moment. Belle direction musicale, colorée et intense. Cela faisait longtemps que l’Opéra de Paris ne nous avait pas autant émerveillés. L’expérience rappelle un peu l’inoubliable Tosca de Londres avec Gheorghiu, Kaufmann et Terfel en juillet 2011.

La mise en scène, sobre et littérale, est portée par les magnifiques lumières de Jean Kalman. La qualité de la direction d’acteurs est inhabituelle pour une maison d’opéra. On regrette malgré tout le choix de ne pas situer l’acte III au Château Saint-Ange.

Et, pour la bonne bouche, les deux dernières répliques de la pièce de Victorien Sardou :
    Spoletta — Ah ! Démon ! Je t'enverrai rejoindre ton amant !
    Floria (debout sur le parapet) — J'y vais, canailles !

Programme W. Forsythe / M. Graham / J. Peck / B. Millepied par le L.A. Dance Project

Théâtre des Champs-Élysées, Paris • 16.9.16 à 20h
L. A. Dance Project, Benjamin Millepied

2016-09-16Représentation épatante d’une entreprise exigeante et talentueuse : l’homogénéité du programme révèle le projet artistique au-delà de la juxtaposition ; les jeunes chorégraphes s’inscrivent dans la continuité visible de leurs grands anciens, sans s’interdire une liberté de ton rafraîchissante ; les danseurs s’approprient et incarnent des grammaires visuelles aussi originales qu’émouvantes.

Millepied conçoit le travail de chorégraphe dans la collaboration ; c’est l’un de ses traits les plus attachants. Sa pièce On the Other Side, qui n’est pas la plus bouleversante de la soirée, se distingue à la fois par le choix de la musique, un florilège de compositions de Philip Glass, et par celui de Mark Bradford, un peintre angeleno, pour concevoir la toile de fond.

Concert Orchestre de l’Opéra de Paris / Ph. Jordan à l’Opéra-Bastille

Opéra-Bastille, Paris • 15.9.16 à 20h
Orchestre de l’Opéra de Paris, Philippe Jordan

Wagner : extraits instrumentaux de Das Rheingold, Die Walküre, Siegfried et Götterdämmerung. Avec Anja Kampe (soprano) pour l’Immolation de Brünnhilde.

2016-09-15J’ai une relation en dents de scie avec Philippe Jordan… et cette représentation se situe assez nettement dans un creux, tant la mollesse générale semble de rigueur sur la scène de l’Opéra Bastille. C’est lent, très lent, parfois très très lent, … et l’accent donné à une forme de lyrisme tue le relief dramatique. On cherche en vain à se laisser émouvoir par une interprétation au fond assez clinique.

Anja Kampe rajoute une belle touche d’humanité dans la scène finale de Götterdämmerung, mais l’acoustique de la salle ne met guère sa voix en valeur.

Concert Orchestre Neojibà / R. Castro à la Philharmonie

Philharmonie de Paris • 12.9.16 à 20h30
Orchestre Neojibà, Ricardo Castro

Villa-Lobos : Chôros n° 6
Chostakovitch : concerto pour piano et trompette n° 1 (Martha Argerich, piano ; Helder Passinho Junior, trompette)
Tchaïkovski : symphonie n° 4

CastroDécouvrir cet orchestre de jeune Brésiliens fut à peu près aussi inoubliable que la rencontre avec l’Orchestre Simón Bolívar de Gustavo Dudamel. L’Orchestre Neojibà ne date que de 2007, mais on y perçoit le même bonheur de jouer, le même enthousiasme communicatif. Les musiciens, excellents, dansent volontiers sur leurs chaises lorsqu’ils se laissent emporter par la musique.

Programme varié et magnifique de bout en bout. Malgré la relative verdeur qui transparaît dans la symphonie de Tchaïkovski, l’interprétation est superbe, tout particulièrement à la petite harmonie.

Avalanche de bis, dont une reprise du 3e mouvement du concerto et un quatre-mains de Debussy jouée par le chef et par Argerich à la fin de la première partie ; une pièce de Darius Milhaud jouée à deux pianos avec accompagnement de percussions ; et le numéro de bravoure habituel des Neojibà avant de quitter la scène, une version absolument éblouissante de Tico-Tico no Fubá qui, à sa façon, boucle la boucle avec le ravissant choro de Villa-Lobos qui ouvre le programme.

“Home Chat”

Finborough Theatre, Londres • 11.9.16 à 15h
Noël Coward (1927)

Mise en scène : Martin Parr. Avec Zoë Waites (Janet Ebony), Tim Chipping (Paul Ebony), Richard Dempsey (Peter Chelsworth), Polly Adams (Mrs. Ebony), Joanna David (Mrs. Chilham), Clare Lawrence Moody (Mavis Wittersham), Nelly Harker (Lavinia Hardy), Philip Correia (Alec Stone), Robert Hazel (Pallett / Turner).

Home chatC’est parfois à juste titre qu’une pièce de théâtre ne revoit plus la lumière du jour après sa création. Mais cette petite comédie de Noël Coward, créée en 1927, méritait mieux que de sombrer dans l’oubli. Sans se hisser au niveau des chefs d’œuvre de Coward (Blithe Spirit, Private Lives), cette fable morale d’une femme un peu trop vite accusée d’infidélité tient encore largement la route, près de 90 ans après sa création.

La production du petit Finborough Theatre est un régal : interprétation au cordeau, mise en scène inspirée dans un décor astucieux, jolie contribution des lumières et de l’environnement sonore à la création de l’ambiance.

Quelques chansons de Coward ponctuent les changements d’actes. La pièce s’achève sur un magnifique “If Love Were All”, merveilleusement accompagné par un piano et une flûte. On ressort sur un petit nuage.

“Funny Girl”

Savoy Theatre, Londres • 10.9.16 à 19h30
Musique : Jule Styne. Lyrics : Bob Merrill. Livret : Isobel Lennart, révisé par Harvey Fierstein.

Mise en scène : Michael Mayer. Direction musicale : Theo Jamieson. Avec Sheridan Smith (Fanny Brice), Darius Campbell (Nick Arnstein), Joel Montague (Eddie Ryan), Marilyn Cutts (Mrs. Rose Brice), Valda Aviks (Mrs. Meeker), Gay Soper (Mrs. Strakosh), Bruce Montague (Florenz Ziegfeld), …

Reprise au Savoy Theatre, dans un décor quelque peu agrandi, de l’excellente production du Menier Chocolate Factory vue en février dernier. Sheridan Smith, qui a dû prendre plusieurs semaines de repos pour cause d’épuisement (sa remplaçante était semble-t-il sensationnelle), est désormais de retour, et elle continue à enthousiasmer le public grâce à un instinct comique relativement infaillible.

La distribution principale est strictement identique à celle de la création. On y retrouve notamment avec beaucoup de plaisir la Mrs. Brice de Marilyn Cutts, dont l’exubérance est contagieuse.

Contrairement à ce que je pensais, il ne circule pas de rumeur sur un éventuel voyage à Broadway. Il n’y a de toute façon aucun théâtre disponible pour de longs mois tant les projets en attente sont nombreux.


Trafalgar Studios (Studio 2), Londres • 10.9.16 à 15h
Musique et Lyrics : David Kirshenbaum. Livret : Jack Heifner, d’après sa pièce.

Mise en scène : Racky Plews. Direction musicale : Tamara Saringer. Avec Lizzy Connolly (Joanne), Lauren Samuels (Mary), Ashleigh Gray (Kathy).

Vanities est à l’origine une pièce sur le destin de trois amies proches, du lycée à la vie adulte, qui met leur amitié à rude épreuve. Créée en 1976 (avec Kathy Bates dans l’un des trois rôles), elle connut un gros succès, avec quatre ans et demi de représentations pour la production originale.

L’idée d’adapter la pièce en comédie musicale est beaucoup plus récente. C’est David Kirshenbaum, le compositeur de la magnifique comédie musicale Summer of ’42, qui s’y est attelé, avec l’auteur de la pièce originale, Jack Heifner.

Le livret de la comédie musicale ajoute un chapitre à l’action de la pièce, qui ne comprenait initialement que trois actes, se déroulant respectivement en 1963, 1968 et 1974. Un épilogue, non daté mais dont on peut penser qu’il se déroule pendant les années 80, vient désormais boucler la boucle de manière plus satisfaisante.

La première production date de 2006, à Palo Alto. Une série de productions régionales étaient censées précéder un début à Broadway en 2009. Mais c’est finalement Off-Broadway que la version musicale de Vanities ouvrit ses portes en juillet 2009. C’est là que je l’ai découverte, au Second Stage Theatre.

Cette nouvelle production marque les début de Vanities à Londres. J’ai été beaucoup plus sensible aux charmes de la partition de Kirshenbaum que lors de ma première rencontre avec la pièce. D’autant que les chansons, parcourues par une belle inspiration mélodique, s’adaptent avec beaucoup d’inspiration aux différentes époques de l’action.

Peut-être ma différence d’appréciation tient-elle au fait que tout dans cette production londonienne est impeccable : l’interprétation irrésistible des trois comédiennes, le petit orchestre talentueux de cinq musiciens, la mise en scène sensible et pleine d’idées de Racky Plews… mais aussi le décor magnifique d’Andrew Riley (une merveille absolue compte tenu de la taille plus que réduite du théâtre) et les costumes tout aussi magnifiques du même Riley. Chaque costume parvient non seulement à évoquer parfaitement l’époque de chaque scène, mais aussi à enrichir la perception des personnages.

C’est du travail d’orfèvre, qui mériterait à n’en pas douter d’être vu dans un espace plus grand.

Concert Staatskapelle Berlin / Barenboim à la Philharmonie

Philharmonie de Paris • 9.9.16 à 20h30
Staatskapelle Berlin, Daniel Barenboim

Mozart : Sinfonia concertante pour hautbois, clarinette, cor et basson, K 297b
Bruckner : symphonie n° 7

Je n’ai pas du tout réussi à m’intéresser à la sinfonia concertante.

La symphonie, en revanche, fut passionnante. Passionnante mais pas aussi spectaculaire que sous d’autres baguettes recherchant davantage les effets.

Barenboim continue à privilégier l’homogénéité et l’émergence de longues lignes de force. Parallèlement, Il a tendance à beaucoup retenir le tempo… un peu à la façon de Maazel (ou de Chung, mais la comparaison n’est pas très flatteuse pour Barenboim).

L’interprétation n’en est pas moins magnifique. On est particulièrement bouleversé par la fin de l’Adagio, lorsque cors et tubas Wagner s’unissent dans une tapisserie aussi subtile qu’expressive.

Concert Staatskapelle Berlin / Barenboim à la Philharmonie

Philharmonie de Paris • 8.9.16 à 20h30
Staatskapelle Berlin, Daniel Barenboim

Mozart : concerto pour piano n° 26
Bruckner : symphonie n° 6

Le concerto confirme le sentiment déjà ressenti lors du concert précédent que Barenboim-pianiste n'a plus rien à apporter à ce répertoire.

La symphonie, en revanche, est éblouissante. La mal-aimée des symphonies de Bruckner devient sous la conduite de Barenboim une petite merveille parcourue de puissantes et magnifiques lignes de force. L'orchestre n'est pas toujours parfait sur le plan technique, mais il se met avec engouement au service d'une lecture réellement captivante — plus aérienne que tellurique, mais d’une somptueuse homogénéité.

Barenboim, comme d'habitude, dirige sans partition. L'acoustique de la salle semble miraculeusement adaptée au son des musiciens allemands. Immense.


Adelphi Theatre, Londres • 4.9.16 à 18h
Livret, musique et lyrics : Robert J. Sherman.

Mise en scène : Stewart Nicholls. Direction musicale : Tom. Kelly. Avec Darren Day (Melbourne Bumblescratch), Jessica Martin (Bethesda), Michael Xavier (Hookbeard), Ilan Galkoff (Perry), Jacob Chapman (Socrates), …

Robert J. Sherman est le fils de Robert B. Sherman, auteur, avec son frère RIchard M. Sherman, de quelques unes des partitions les plus inoubliables des studios Disney, de Mary Poppins aux Aristochats (sans oublier la redoutable chanson “It‘s a Small World (After All)”).

C’est au bénéfice d’une œuvre de charité qu’est représentée, pour un soir seulement, une comédie musicale originale dont il est l’auteur, le compositeur et le parolier : Bumblescratch, dont la plupart des protagonistes sont des rats pendant la Grande Peste de 1665 à Londres… et qui se termine en 1666, au moment du Grand Incendie.

C’est une bien curieuse histoire, filandreuse et peu économe… que l’on imaginerait mieux en scénario de dessin animé qu’en livret de comédie musicale (quelques dessins sont d’ailleurs projetés en fond de scène en guise de décor et/ou de mise en contexte). L’abondance d’intrigue se double d’une abondance de musique : pas loin de 40 numéros musicaux listés dans le programme ! Il y en aurait pour deux ou trois spectacles, sans problème.

Robert J. Sherman est le digne héritier de la veine mélodique qui fait la réputation de la famille. La partition, pleine de verve et de couleur, s’écoute avec d’autant plus de plaisir qu’elle est interprétée ici sur scène par des musiciens très talentueux.

L’interprétation est d’autant plus remarquable que les comédiens ont tout appris par cœur… un exploit concernant les deux rôles les plus consistants : celui de Bumblescratch, interprété avec une générosité irrésistible par le talentueux Darren Day (qui serait parfait en Kipps dans Half a Sixpence !) et celui du jeune Perry, dans lequel Ilan Galkoff fait un tabac mérité — l’époque où les enfants comédiens me donnaient systématiquement des boutons est bel et bien révolue.

Je ne pense pas que l’on entende de sitôt parler d’une vraie production de Bumblescratch, ou alors dans une version largement retravaillée et très allégée… mais j’achèterai sans hésiter le CD prévu en fin d’année.

“Half a Sixpence”

Festival Theatre, Chichester • 3.9.16 à 19h30
Musique et lyrics : David Heneker. Livret original : Beverley Cross, d’après Kipps de H. G. Wells. Nouveau livret : Julian Fellowes. Nouvelles chansons : George Stiles et Anthony Drewe.

Mise en scène : Rachel Kavanaugh. Direction musicale : Graham Hurman. Avec Charlie Stemp (Kipps), Devon-Elise Johnson (Ann Pornick), Emma Williams (Helen Walsingham), Ian Bartholomew (Chitterlow), John Conroy (Shalford), …

J'avais dit un mot de cette comédie musicale typiquement anglaise de 1963 lorsque j’en avais vu une production en tournée à Brighton en octobre 2007. Inspirée du “roman social” Kipps de H.G. Wells, une parabole sur l’ambiguïté du lien entre richesse et classe sociale, elle avait été initialement façonnée autour des talents de Tommy Steele, un “performer” anglais immensément charismatique, alors au sommet de sa gloire.

Partant du principe que l’œuvre originale n’avait plus de potentiel commercial, Cameron Mackintosh a commandé un nouveau livret à Julian Fellowes (connu pour Downton Abbey) et de nouvelles chansons au célèbre duo Stiles & Drewe, déjà auteurs des chansons additionnelles de Mary Poppins. L’un des objectifs affichés était de rendre le spectacle moins dépendant de la personnalité de l’interprète du rôle principal.

Une telle entreprise me rend sceptique pour deux raisons.

D’une part pour une question de principe. Je ne suis pas sûr d’approuver une démarche consistant à déchiqueter une œuvre pour en redistribuer les chansons autour d’un livret remanié en les complétant de chansons supplémentaires. Pourquoi ne pas écrire simplement une nouvelle adaptation ? Le cas de Mary Poppins était différent : le film d’origine ne pouvait pas être transposé à la scène sans un travail d’écriture. Dans le cas de Half a Sixpence, le résultat est un curieux gloubi-boulga pas très digeste.

D’autre part pour une question de réalisme. Half a SIxpence est l’histoire d’un personnage singulier, Kipps. Dans la version originale comme dans la version remaniée, Kipps est dans toutes les scènes, ou presque. Il n’est pas réaliste de vouloir rendre le spectacle indépendant de la personnalité du comédien qui l’interprète.

Et c’est d’ailleurs là que le bât blesse le plus, car le comédien qui interprète le rôle principal, Charlie Stemp, a le charisme d’un papier gras balloté par le vent. Certes, il est jeune, mignon et très bon danseur… mais il ne possède pas cette star quality qui fait converger tous les regards vers les comédiens réellement charismatiques. La comparaison avec d’autres comédiens présents sur scène est d’ailleurs cruelle, en particulier avec Ian Bartholomew, qui ne fait qu’une bouchée du rôle de Chitterlow, l’homme de théâtre orgueilleux et excentrique… ou même avec John Conroy, qui s’impose plus avec le petit rôle de Shalford que Kemp ne le fait pendant toute la pièce.

La pièce, du coup, est très inégale. Le premier acte ne fonctionne guère, d’autant que les nouvelles chansons de Stiles & Drewe n’y arrivent pas à la cheville des chansons originales de David Heneker. Heureusement, les choses s’améliorent dans le deuxième acte, en particulier parce que l’une des nouvelles chansons, “Pick Out a Simple Tune”, y fait un tabac justifié, juste après que Ian Bartholomew a fait un malheur avec l’une des chansons originales, “The One Who’s Run Away”.

Joli décor de Paul Brown, chorégraphies inventives et dynamiques d’Andrew Wright, orchestrations un peu légères bien que signées de l’excellent William David Brohn. C’est un spectacle avec des hauts et des bas, dont un transfert dans le West End a d’ores et déjà été annoncé.

Concert Staatskapelle Berlin / Barenboim à la Philharmonie

Philharmonie de Paris • 2.9.16 à 20h30
Staatskapelle Berlin, Daniel Barenboim

Mozart : concerto pour piano n° 24
Bruckner : symphonie n° 4

DannyDébut d'une quasi-intégrale des symphonies de Bruckner par Barenboim et son orchestre de la Staatskapelle de Berlin. Chaque symphonie est précédée d'un concerto de Mozart dont Barenboim interprète lui-même la partie de piano.

Une mauvaise idée à en juger par ce premier concert. Les différentes écoutes effectuées en préparation du concert m'avaient convaincu que ce concerto en ut mineur était l'un des plus envoûtants de Mozart. Une impression malheureusement peu corroborée par une interprétation relativement empesée, tant à l'orchestre (malgré un effectif nettement allégé) qu'au piano. Barenboim n'a plus l'aisance technique requise pour transcender la partition ; le résultat, d'une triste banalité, manque d'élévation, de magie.

On change de registre avec une interprétation magistrale et assez personnelle de la symphonie "romantique" de Bruckner. Barenboim y déroule une véritable vision qui donne beaucoup de cohérence à l'ensemble. Les musiciens sont dans leur élément et leur détermination partagée à façonner le son voulu par le chef est presque palpable. On n'adhère pas à tous les choix, dont certains semblent aller partiellement à l'encontre des intentions du compositeur, mais on applaudit l'homogénéité d'ensemble et la qualité de l'exécution.

“Children of Eden”

Union Theatre, Londres • 28.8.16 à 14h30
Musique et lyrics : Stephen Schwartz. Livret : John Caird.

Mise en scène : Christian Durham. Direction musicale : Inga Davis-Rutter. Avec Joey Dexter (Father), Stephen Barry (Adam / Noah), Natasha O’Brien (Eve / Mama Noah), Guy Woolf (Cain / Japheth), Daniel Miles (Abel / Ham), Kris Marc Joseph (Seth / Shem), Samantha Giffard (Aysha), Susie Chaytow (Aphra), Nikita Johal (Yonah), Gabriel Mokake (Storyteller / Snake), Verity Burgess (Storyteller).

CofedenChildren of Eden fait partie de ces oeuvres de la "première période" de Stephen Schwartz pour lesquelles j'ai une tendresse particulière. Le livret, inspiré de la Bible, n'est pas dénué d'humour ; la partition, riche est inspirée, dénote un réel talent pour la mélodie. La pièce supporte aussi bien les petites productions intimistes, comme celle que j'avais vue au Landor Theatre en 2000, que le déploiement de moyens plus conséquents, comme à l'occasion de la version concert de janvier 2012.

Le petit Union Theatre, qui vient de prendre ses quartiers dans de nouveaux locaux -- toujours sous les voies ferrées -- en propose une petite production très professionnelle et hautement plaisante. Le concept de mise en scène, qui repose sur quelques codes vestimentaires simples, est excellent. Les jeunes comédiens n'ont pas tous le même charisme mais certains, comme Natasha O'Brien ou Joey Dexter, sont hautement séduisants. Les arrangements pour le petit ensemble de quatre musiciens sont exquis. On ressort sous le charme.

“Exposure the Musical”

St. James Theatre, Londres • 27.8.16 à 19h30
Musique, livret et lyrics : Mike Dyer

Mise en scène : Phil Willmott. Direction musicale : Mark Collins. Avec David Albury (Jimmy), Natalie Anderson (Tara), Michael Greco (Miles Mason), Kurt Kansley (Jimmy’s Father), Niamh Perry (Pandora / Pride), …

ExposureUn journaliste photo animé d'une conscience sociale se confronte à la perversité du monde moderne : un thème qui aurait pu être prometteur donne naissance à une pièce sans queue ni tête, qui ressemble plus à un premier brouillon qu'à une oeuvre aboutie. Le mélange indigeste de bien-pensance et de clichés (sans jeu de mot), l'absence d'une réelle ossature dramatique, des lyrics indignes d'une production professionnelle... m'ont conduit à quitter le théâtre à l'entracte.

Même le titre, qui mélange référence photographique et l'expression d'une volonté de dénoncer ("expose") les péchés du monde, est déroutant de candeur mal placée. On passe sans regret.


Southwark Playhouse, Londres • 27.8.16 à 15h
Musique : Richard Rodgers (1947). Livret et lyrics : Oscar Hammerstein II.

Mise en scène : Thom Southerland. Direction musicale : Dean Austin. Avec Gary Tushaw (Joseph Taylor, Jr.), Steve Watts (Joseph Taylor, Sr.), Julia J. Nagle (Marjorie Taylor), Susan Travers (Grandma Taylor), Emily Bull (Jennie Brinker), Dylan Turner (Charlie Townsend), Cassandra McCowan (Molly), Katie Bernstein (Emily), …

AllegroJ'avais déjà décrit ce flop mythique de Rodgers & Hammerstein lorsque la Classic Stage Company en a présenté une version quelque peu condensée à New York en novembre 2014. C'est cette fois à Londres qu'est présentée une version un peu plus proche de l'original, sous l'égide du spécialiste des petits espaces, Thom Southerland.

Allegro est une oeuvre pleine de contrastes puisqu'elle déploie des procédés narratifs conceptuels (notamment l'utilisation d'un "chœur grec") au service d'une histoire parfaitement linéaire, celle de Joseph Taylor, Jr., le fils d'un médecin de campagne, que le livret suit depuis sa naissance, en insistant sur les choix successifs qui se présentent à lui au cours de sa vie. Southerland choisit un décor minimaliste à base d'échelles et d'un échafaudage sur roulettes, complété par quelques rares éléments de mobilier... avec une configuration scénique -- un long rectangle entre deux gradins qui se font face -- que je n'aime pas beaucoup mais qui fonctionne plutôt bien en l'occurrence.

Si le livret manque quelque peu de relief, la partition est un véritable bijou. Cette production, qui s'appuie sur d'excellents chanteurs, lui rend particulièrement bien justice. Le plaisir qu'on en retire est assez semblable à celui provoqué par le CD enregistré récemment par une jolie brochette de stars de Broadway.